WELL ART: O Japão é um espelho da Polônia. Paweł Pachciarek sobre a nova exposição "Oriente—Oriente" no Museu Manggha
Em 25 de abril, visitamos o Museu Manggha em Cracóvia, que nos convidou para a abertura da exposição de arte contemporânea Oriente-Oriente, preparada sob a liderança curatorial de Paweł Pachciarek e cocriada por artistas associados ao Japão. Não é coincidência que a data de abertura tenha coincidido com o início da EXPO 2025 em Osaka — embora a exposição não faça parte formalmente dela, ela se encaixa tematicamente no ritmo internacional mais amplo de eventos artísticos que refletem sobre a identidade contemporânea, a mobilidade e o lugar do indivíduo no mundo contemporâneo.
Ao percorrer as seções individuais da exposição, mergulhamos nas histórias e experiências íntimas dos criadores, que formam uma narrativa polifônica sobre estar "entre" lugares, línguas, culturas, tempos.
East–East é um caleidoscópio de técnicas e significados presentes em instalações, som, cerâmica, fotografia, têxteis e vídeo. Seis artistas apresentam aqui os seus trabalhos: Mami Kosemura, Mitsuo Kim, Rui Mizuki, Tomoko Sauvage, Ewelina Skowrońska e Urara Tsuchiya. Converso com Paweł Pachciarek, um acadêmico japonês e curador da exposição Oriente-Oriente no Museu Manggha, sobre seu trabalho, um espelho simbólico do Oriente e do Ocidente, e sobre a arte que nos ensina a ouvir atentamente outras perspectivas.
Exposição Leste-Leste no Museu Manggha - Arte entre Continentes, Línguas e TempoMaria Jasek, Well.pl: O Museu Manggha, em sua forma atual, está em operação há quase duas décadas. Desde o início de sua existência, ele vem construindo uma ponte entre a arte japonesa e polonesa e, mais amplamente, entre a cultura europeia e asiática. Como você vê o papel do Manggha hoje, não apenas no contexto da ciência e da história da arte, mas também nos tempos contemporâneos?
Paweł Pachciarek: A história do Museu Manggha mostra muito bem como países tão distantes uns dos outros – quase em dois antípodas culturais – podem entrar em um diálogo autêntico. Não fale apenas sobre construir pontes entre culturas, mas realmente construí-las – por meio da troca de ideias, cooperação e inspiração mútua.
A ideia que orientou Andrzej Wajda na criação do Centro de Arte e Tecnologia Japonesa na Polônia estava relacionada à história do nosso país antes de 1989 – ao movimento Solidariedade, mas também ao fato de que os japoneses apoiaram ativamente as aspirações polonesas de liberdade na década de 1980. A melhor expressão dessa solidariedade foi que o destacado arquiteto japonês Arata Isozaki — vencedor do Prêmio Pritzker — projetou o museu totalmente gratuito, e a Ferrovia Nacional Japonesa apoiou o projeto tanto financeira quanto substancialmente, enviando seus especialistas para a Polônia.
Os japoneses estavam muito interessados em acelerar e renovar as relações entre a Polônia e o Japão. A história das relações polaco-japonesas remonta a 1919, quando menos de um ano após recuperar a independência, a Polônia estabeleceu relações diplomáticas com o Japão. Essa amizade de longa data encontra expressão hoje, entre outras coisas, em lugares como Manggha, que se torna uma espécie de centro — um espaço para diálogo sobre arte e cultura. E não apenas no contexto da tradição, dentro da qual organizamos exposições de xilogravura ou aulas de língua japonesa, mas também por meio de exposições relacionadas à contemporaneidade. Queremos falar sobre novos relacionamentos, novas situações e construir o futuro juntos.
![Exposição Leste-Leste. foto: Kamil A. Krajewski]](https://pliki.well.pl/i/06/29/69/062969_1320.jpg)
Exposição Leste-Leste. foto: Kamil A. Krajewski]O Japão vive outro momento de popularidade na Polônia – da gastronomia, passando pelo cinema e design, até a literatura e a ilustração. Há muitos exemplos. E como é visto do outro lado?
A exposição da qual estamos falando agora está ligada aos eventos da EXPO 2025 em Osaka. Isso é importante porque a EXPO anterior foi realizada em Osaka em 1970, e agora — depois de várias décadas — a cidade voltou a ser a cidade-sede. Durante esse período, nosso pensamento sobre o Japão na Polônia passou por diversas "ondas" distintas. Uma delas foi a década de 1990, quando o mangá e o anime começaram a penetrar na Polônia — embora muitas vezes pela Itália ou França, o que parece bastante bizarro hoje em dia.
A Polônia está realmente vivenciando um verdadeiro deleite com o Japão. Infelizmente, a situação não é tão boa ao contrário: os japoneses sabem relativamente pouco sobre a Polônia. As associações mais comuns são Fryderyk Chopin ou, especialmente entre os mais jovens, Robert Lewandowski. No entanto, no contexto da EXPO, surge uma figura que goza de enorme popularidade no Japão, ainda maior que na Polônia: Maria Skłodowska-Curie.
Nas escolas japonesas, a biografia de Maria Skłodowska, escrita por sua filha, é leitura obrigatória. Em conversas cotidianas, quando os japoneses descobrem que sou da Polônia, o assunto Skłodowska surge com frequência inesperada. Passei por algumas situações assim que realmente me surpreenderam: para mim, Skłodowska sempre foi uma figura bastante severa, retratada em uma sala de aula de química, mas para as jovens japonesas ela é uma inspiração genuína, um símbolo de força e perseverança. Acontece que Skłodowska pode ser apresentada de uma forma mais moderna: como uma mulher socialmente engajada, uma mãe, uma cientista, uma pessoa que conseguiu conciliar a vida profissional e privada.
E é neste contexto que a Skłodowska-Curie aparece na EXPO deste ano?
Uma das artistas japonesas que apresentou seu trabalho no Museu Manggha no ano passado está preparando uma grande instalação. Não um monumento a um ideal, mas uma história sobre a vida cotidiana de Skłodowska, seu comprometimento, suas dificuldades e a força que ela extraiu de ser uma pessoa comum. Esta mensagem sobre a necessidade de equilíbrio entre vida pessoal e profissional parece especialmente relevante hoje.
Olhando para a EXPO mais ampla, agora temos uma chance real de nos restabelecer no Japão. Exposições, concertos – tais iniciativas estão acontecendo, embora ainda não em larga escala. Curiosamente, muitos japoneses, incluindo aqueles da indústria cultural e artística, quando visitam a Polônia e vão ao Museu Manggha, ficam chocados com sua existência. Eles dizem diretamente que não há lugar equivalente a este no Japão e até invejam o próprio museu.
Obras de Urara Tsuchiya e Ewelina Skowrońska. foto: Maria JasekO que acabamos de discutir pode, sem dúvida, ser descrito como pós-Orientalismo. No seu texto curatorial, você escreve que East–East é uma tentativa de decodificar o conceito de “Oriente” no contexto dos tempos contemporâneos – um mundo que, apesar das divisões, está se tornando cada vez mais comum. Como você entende esse título? O que significa “o Oriente” hoje e como ele se conecta com o tema da identidade?
Ao criar esta exposição, desde o início – em parte deliberadamente, em parte por diversão – usei termos e significados. Concentrei-me no slogan "Leste Leste", que sugere dois lestes, embora, é claro, possa haver muitos mais "lestes". Como observei no texto introdutório da exposição: o Oriente significa algo diferente para cada um. Para uma pessoa da Europa Ocidental, o Oriente já pode ser a Polônia, para um polonês — o Japão. Em certo sentido, somos todos parte do mesmo círculo "Oriental", apenas o olhamos de perspectivas diferentes.
Com base nessa suposição e construindo uma oposição entre o Oriente e o Ocidente, eu queria mostrar que, apesar das enormes diferenças — em nossa abordagem à tradição, às técnicas artísticas ou à maneira de expressar ideias —, no final das contas, contamos histórias semelhantes e usamos uma linguagem semelhante. Ao focarmos em denominadores comuns em vez de simples oposições como “espiritualidade oriental” versus “racionalismo ocidental”, conseguimos ver muito mais. No entanto, se nos limitarmos a divisões binárias: Leste-Oeste, branco-negro, perdemos toda a cor e profundidade das narrativas que ocorrem entre esses extremos. Isso é melhor demonstrado pelas obras de artistas do Japão, entendidos não apenas como pessoas com cidadania japonesa, mas também como criadores criados nessa cultura ou associados a ela. Apesar dos diferentes meios de expressão, eles contam histórias que — embora comunicadas de maneiras diferentes — também são muito próximas de nós.
Muitas vezes acontece que os de fora são as pessoas que melhor conseguem nos descrever. Nós, imersos em nossos próprios símbolos e suposições, às vezes deixamos de ver verdades óbvias que se tornam visíveis apenas aos olhos de um observador estranho. O que está acontecendo atualmente na história da arte e na visão mais ampla do mundo é um afastamento das narrativas nacionais simples. Estamos cada vez mais nos concentrando no que é universal — problemas, valores e experiências comuns.
MITSUO KIM Adeus, Meu Amor, 2021 / materiais de imprensa do Museu Manggha em CracóviaVocê entra em contato com a arte do Japão diariamente. Quais aspectos são essenciais para aprender a lê-lo? O que nos permite mergulhar mais profundamente na tela proverbial, além da primeira impressão derivada da observação da forma e da estética?
Acho que para realmente ler arte do Japão, é preciso desmantelar um pouco os hábitos ocidentais. Estamos profundamente imersos no pragmatismo, na necessidade de ler e categorizar tudo imediatamente. Enquanto isso, a arte japonesa, especialmente a arte contemporânea, muitas vezes nos tira desse ritmo. Ele não diz isso diretamente. Ele usa poesia, eufemismo e deixa espaço. É esparso na forma, mas denso no significado. Essa maneira de contar uma história – mais pelo silêncio do que pela mensagem – não é fácil de entender porque não funciona como uma mensagem simples. Exige tempo, abertura e aceitação de que nem tudo ficará claro imediatamente. Mas é justamente nessa ambiguidade que reside sua força.
Para mim, também foi crucial entender que o processo em si é igual ao efeito. Isso pode ser visto no trabalho de Tomoko Sauvage, que mostra que o tempo pode ser orgânico, irregular, baseado no ritmo da natureza, e não apenas no tique-taque de um relógio. Esse tipo de pensamento — muito diferente do nosso “de-para”, “antes-depois” ocidental — ensina um ritmo diferente e um tipo diferente de atenção plena.
E o terceiro contexto que foi importante para mim: a identidade como algo fluido. A maioria dos artistas participantes do East-East já passou por migrações, tanto literais quanto simbólicas. Hoje não é mais possível falar de identidade nacional como algo rígido. Ele está constantemente se movendo, negociando e se estabelecendo em várias paisagens, incluindo as internas. Isso é algo que, por sua vez, rompe o pensamento binário sobre o Oriente e o Ocidente, sobre o que é nosso e o que é estrangeiro.
A arte contemporânea japonesa não tenta ser universal à força, mas devido à sua particularidade, é capaz de desencadear emoções muito universais. Você só precisa se permitir não entender tudo de uma vez.
Tomako Sauvage, "Buloklok". foto: materiais de imprensaRecentemente visitei uma das exposições de xilogravuras organizadas pelo Museu, e os textos curatoriais discutiram de forma muito interessante a natureza multifacetada do ukiyo-e da qual você fala. Essas representações da vida cotidiana – cenas de ruas, teatros, casas e natureza – parecem à primeira vista leves, decorativas, até banais. E, no entanto, eles escondem referências literárias, comentários sociais e, às vezes, até críticas sutis.
Exatamente. Nesse contexto, a arte japonesa pode de fato parecer infantil ou excessivamente emocional de uma perspectiva ocidental. Mas quando olhamos através do prisma dessa tradição estética secular — profundamente enraizada na melancolia, na transitoriedade e na poetização da vida cotidiana — uma dimensão completamente diferente começa a se revelar. Pode parecer infantil para nós, mas lá é uma maneira profundamente arraigada de falar sobre o mundo. Não é que os japoneses não possam falar sobre si mesmos. Eles podem, apenas fazem de forma diferente. Em vez de uma mensagem direta, eles escolhem sutileza, eufemismo e uma certa delicadeza na forma. É como se tivéssemos que aprender um novo alfabeto de emoções, um que seja mais sugestivo do que literal. Basta comparar isso com a maneira dominante de falar sobre arte na Europa hoje, que muitas vezes se assemelha a um comentário de notícias: rápido, expressivo, imediato. E aqui temos o oposto — uma linguagem que exige parada, silêncio e atenção plena.
Obras de Mitsuo Kim, foto de Maria JasekA exposição “Leste–Leste” é extremamente diversificada em termos de meios utilizados – há cerâmica, trabalhos com tecidos, instalações de vídeo e som. Não é apenas diversidade estética, mas também uma enorme carga emocional. Como foi o processo de seleção dos artistas? O que você levou em consideração ao selecioná-los para esta história em particular?
A identidade como experiência de migração – pessoal e simbólica – é um dos temas principais desta exposição. Essa era uma intenção consciente — eu queria que a exposição não falasse apenas sobre “arte contemporânea japonesa”, mas sim sobre arte do Japão — para destacar a fluidez da identidade, a complexidade da experiência e a ambiguidade do pertencimento nacional. Essa ideia é representada, entre outros: Ewelina Skowrońska, que passou dez anos no Japão. Como resultado, sua visão do Japão está imersa tanto na experiência interna quanto na observação externa. Esta não é uma perspectiva turística, mas sim uma perspectiva profundamente enraizada na vida cotidiana e, ao mesmo tempo, não isenta de distância.
Também temos pessoas como Urara Tsuchiya, uma artista difícil de definir em um só lugar. Ela é nômade: um dia está no México, no outro em uma residência em Tallinn. Ele funciona no meio. Tomoko Sauvage, por outro lado, mora em Paris, mas viaja constantemente entre a França e o Japão, imersa em ambos os mundos. Essa diversidade de experiências foi muito importante para mim. Isso mostra que hoje a identidade de um artista não é algo rígido, é um espaço em movimento, sempre em diálogo com muitos contextos simultaneamente.
Tomako Sauvage e Urara Tsuchiya / materiais de imprensaExiste alguma obra sua que mais o comove pessoalmente?
A exposição abre com uma obra comovente de Mitsuo Kim. E acho que esse trabalho — e essa história — é a coisa mais importante para mim, pessoalmente. Mitsuo Kim é um artista nascido em Osaka, mas de ascendência coreana. E aí reside uma certa discrepância — porque embora ele tenha nascido e sido criado no Japão, ele é percebido lá como "diferente", como um coreano. No Japão, existe até um termo especial "Zainichi" para pessoas de ascendência coreana que vivem no Japão, muitas vezes marginalizadas socialmente.
Sua história familiar é dramática. Quando ela tinha cinco anos, sua mãe fugiu da Coreia para o Japão, cruzando o mar em um barco com seu avô. Este motivo do barco, presente em sua obra, torna-se não apenas uma metáfora para a migração, mas também um símbolo muito pessoal de busca por um lugar que realmente não se tem. Kim não abordou esse assunto por muito tempo. Ele só começou a criar quando essas questões – identidade, família, social – começaram a ressoar profundamente dentro dele após o nascimento de seu filho.
A instalação, com um barco cheio de cera e gráficos que vão sendo gradualmente erodidos, conta a história da deriva, da suspensão entre mundos, da falta de uma linguagem que transmita completamente essa experiência. Não é apenas uma história sobre sua família, mas também um comentário crítico sobre o Japão contemporâneo e, mais amplamente, sobre qualquer sociedade que defina identidade por meio de afiliação nacional, racial ou cultural. Para mim, esse é um trabalho de limites — emocional e politicamente.
O barco de Mitsuo Kim inaugurando a exposição Leste-Leste. Foto. Kamil A. KrajewskiHá algo que você gostaria que os visitantes levassem desta exposição, mesmo que eles só entendam depois?
Gostaria que os espectadores retirassem desta exposição – mesmo que não imediatamente – a consciência de que “o Oriente” não é uma direção geográfica ou um motivo estético, mas um campo de tensões, mudanças e reinterpretações que refletem a experiência existencial contemporânea – dispersa e ambígua.
As obras apresentadas em East–East não tentam apresentar “o Oriente” como um todo coerente e fechado. Pelo contrário, eles desmantelam suas representações como um “Outro” exótico e espiritual ou uma herança cultural estática, como muitas vezes foi construída no imaginário europeu. O que pode permanecer com o espectador é a intuição de que conceitos como “identidade”, “pertencimento” ou “tempo” não são dados de uma vez por todas, mas são processos — constantemente criados e minados pela vida cotidiana, migração, memória e corporalidade.
Então, se eu tivesse que apontar uma mensagem que pudesse permanecer com o espectador — talvez não imediatamente, mas depois de algum tempo — seria a crença de que todo significado é o resultado de relacionamentos: entre corpo e espaço, entre memória e esquecimento, entre linguagem e silêncio. E é nessas relações – estendidas entre “Oriente” e “Oriente”, não entre Oriente e Ocidente – que reside a oportunidade para novas formas de ver, sentir e estar juntos, que não se baseiam na dominação, mas na copresença.
ig.pngA exposição de arte contemporânea do Japão "Leste-Leste" pode ser vista na Galeria Europa – Extremo Oriente no Museu Manggha em Cracóvia até 10 de agosto de 2025.
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